In Francia esistono progetti di reinserimento dei minori con precedenti o pendenze penali che prevedono, tra le altre cose, anche quella di intraprendere il Cammino di Santiago: tre mesi in cui i ragazzi, accompagnati da un adulto, si impegnano a percorrere ogni giorno 25 km con qualsiasi condizione atmosferica: freddo, caldo afoso, pioggia torrenziale etc. Durante il percorso, come succede ad Adam, protagonista del film Santiago: un cammino per ricominciare, i ragazzi hanno modo di fare esperienze e vedere cose che altrimenti molto difficilmente avrebbero potuto avvicinare. E’ un percorso quindi il loro, di crescita e di introspezione, ma anche di confronto con gli altri e con le complessità e la bellezza del mondo.
Yann Samuell, il regista, ha saputo rendere molto bene questo processo attraverso il rapporto che si instaura tra Adam (Julien Le Berre) e Fred (Alexandra Lamy), l’insegnante che lo accompagna nel viaggio. Fred è stata sospesa dal lavoro per aver dato uno schiaffo ad una allieva, è sull’orlo del divorzio e ha un rapporto complicato con la figlia. Adam invece è un ragazzo che, da piccolo, è stato abbandonato dalla madre in una casa famiglia e che ha tutta una serie di denunce a suo carico. Sta per compiere il suo diciottesimo anno d’età per cui non ha scelta: se non vuole finire in carcere deve intraprendere il cammino. Durante la traversata nella natura più bella e faticosa che probabilmente il ragazzo abbia mai visto, Adam si innamora di Estella, una ragazza che, a causa di un incidente, ha una gamba artificiale.
Molto interessante è il pensiero del regista che sottende il film. “Ogni generazione” sostiene “ha la responsabilità di quella successiva e anche di quella precedente. I figli, infatti, possono confermare, portandone su di sé le tracce, gli errori dei genitori, oppure trasformarli con fatica in positività”.
Altro film, assolutamente da recuperare, prima che lo tolgano dalle sale è Naza dei registi israeliani Yuval Abraham e Rachel Szor. Il significato del termine Naza deriva dal dall’acronimo militare israeliano Nezek Agavi (danno collaterae). In sostanza con il termine Naza si definiscono i palestinesi civili che l’esercito israeliano ritiene accettabile uccidere per eliminare un determinato membro di Hamas, in base alla sua rilevanza. È un calcolo premeditato che compie prima di ogni attacco e che non corrisponde necessariamente ai civili che vengono poi effettivamente uccisi.
Il film, che è entrato nel dibattito pubblico internazionale da settimane in quanto vincitore del Premio speciale della giuria alla Mostra del Cinema di Venezia, e per la reazione violenta che ha suscitato in Israele, non è però incentrato solo sul genocidio ma anche su chi giustifica il genocidio e su chi lo normalizza.
Si tratta, infatti, di un documentario d’inchiesta basato sulle testimonianze anonime di 24 ufficiali e soldati dell’intelligence israeliana che raccontano in forma anonima la normalizzazione dei massacri che Israele ha compiuto nella Striscia di Gaza dopo il 7 ottobre 2023 e i modi con cui riescono a disumanizzare le vittime.
Uno di loro racconta, ad esempio, come vedessero i loro bersagli umani solo attraverso un video e come questo facesse sembrare la cosa quasi alla stregua di un gioco. Lo definiva addirittura “divertente”.
La cosa rimanda inevitabilmente alla Banalità del male di Hannah Arendt che potrebbe accomunare questo tipo di strage di massa a quella dei nazisti nei campi di concentramento (i quali si giustificavano dicendo di aver solo eseguito degli ordini) o, ancora peggio, a quelle dei cacciatori che pagavano cifre non irrisorie per andare a Sarajevo a sparare a prede umane poiché stufi di doversi accontentare di quelle animali. Sono cose di fronte alle quali non ci sono parole e la sola indignazione sembra non essere sufficiente.
«Il nostro obiettivo è che gli israeliani lo vedano», hanno detto Abraham e Szor, entrambi co-autori anche di No Other Land, il documentario sulle violenze dei coloni israeliani contro i palestinesi in Cisgiordania che vinse l’Oscar nel 2025.
Uscito invece da poco, ma con già una grande affluenza di pubblico è Dio Ride di Giovanni Veronesi, con Pier Francesco Favino nei panni del frate Leopoldo da Casamacchia e Silvio Orlando in quelli del Cardinal Maculani. Ambientato nel Seicento e liberamente ispirato a fatti realmente accaduti, il racconto mette al centro il rapporto tra l’uomo e il potere. Da un lato il frate che parla di Dio come nessuno aveva mai fatto, raccontando il Vangelo con una gioia contagiosa in grado di dare speranza ai poveri e agli afflitti. Dall’altra la Chiesa ufficiale, un parroco invidioso e l’inquisizione, rappresentata dal suddetto cardinale. Tra i due nasce un confronto inatteso, destinato a mettere in discussione convinzioni e convenzioni che sembravano incrollabili. A far da corollario anche le vicende della Contessa Isabella Del Debbio (Alma Noce), giovane moglie del grezzo e violento signorotto locale, alla quale è toccata in sorte una vita forse peggiore di quella dei contadini e del popolo. Regolarmente stuprata e picchiata dal marito, è considerata da questi alla stregua di un animale da riproduzione.
Per cambiare completamente genere, infine, la nuova versione di Ragione e sentimento, tratto dall’omonimo e notissimo romanzo di Jane Austen. La regia questa volta è di Georgia Oakley che ne fa una versione un po’ meno ironica e un po’ più corretta dal punto filologico, almeno come ambientazioni, luci e immagini, rispetto alla ben nota versione precedente di Ang Lee (1995) che vedeva Emma Tompson nei panni di sceneggiatrice del film ma anche in quelli della giudiziosa Elinor Daswood. In questa nuova edizione la sceneggiatura è firmata da Diana Reid e il personaggio dell’assennata figlia maggiore è interpretato dalla brava e bella Daisy Edgar-Jones. Ad interpretare la passionale sorella mediana, al posto di Kate Winslet, troviamo Esmé Creed-Miles, meno fascinosa, ma comunque fresca e spontanea. Perfetta la scelta di George MacKay invece, nei panni di Edward Ferrars che ha saputo reinterpretare il personaggio altrettanto bene rispetto al mitico Hugh Grant, ma anche all’allora giovanissimo Dan Stevens, nella versione proposta dalla BBC. Quest’ultimo divenne poi famoso solo dopo, grazie al serial Downton Abbey.
Il film di Georgia Oakley, al secondo lungometraggio dopo l’interessante “Blue Jeans”, mette al centro, come nel romanzo della Austen, il rapporto tra le sorelle Dashwood, che dopo la morte del padre perdono l’eredità che passa interamente al fratellastro John. Sono così costrette a trasferirsi dalla loro vasta e ricca dimora di campagna in un ben più modesto cottage che alcuni parenti di buon cuore mettono loro a disposizione, desiderosi anche di avere compagnia.
Le due ragazze sono appunto l’una l’incarnazione del buon senso e della ragione mentre l’altra del sentimento estremo e incurante di null’altro, neanche delle convenzioni dell’epoca che imponevano alle giovani donne, un comportamento e una reputazione impeccabili, soprattutto se indigenti o con pochi mezzi finanziari e bisognose di trovare un marito per non gravare sulla famiglia d’origine.
Divenute indigenti o quasi, anche le nostre protagoniste, hanno però reazioni agli antipodi. Elinor comincia a pesare ogni parola prima di dirla, perché adesso ogni errore ha un costo sociale oltre che personale. Marianne invece agisce come se l’amore fosse l’unica salvezza, l’unica cosa che nessuno può portarle via come invece è successo per il denaro e il prestigio sociale.
Il Cast è perfetto. Anche gli altri personaggi minori sono resi benissimo e non ci fanno rimpiangere né la versione cinematografica precedente, né quella più lunga, in due puntate, della BBC. La fotografia è spettacolare, la scelta delle musiche anche. Non resta quindi che augurare una buona visione
